Aos Leitores do blog

Sejam Bem-vindos!!! Este é um espaço dedicado a arte e aos seus (futuros) admiradores. Ele é uma tentativa de despertar em seus visitantes o gosto pelo assunto. Aqui, poderão ser encontradas indicações de sites, livros e filmes de Artes Visuais, imagens de artistas, alem do meu processo de trabalho. É o meu cantinho da expressão. Espero que sua estadia seja bastante agradável e proveitosa.
Este Blog é feito para voces e por voces pois muitas das postagens aqui presentes foram reproduzidas da internet. Alguma das vezes posso fazer comentarios que de maneira parecem ofensivos porem nao é minha intençao, sendo assim, me desculpem. Se sua postagem foi parar aqui é porque ela interessa a mim e ao blog e tento focar os pontos mais interessantes. A participaçao dos autores e dos leitores é muito importante para mim nestes casos para nao desmerecer o texto nem acabar distorcendo o assunto

terça-feira, 30 de abril de 2013

A ARTE DE CONTAR HISTORIAS

 O texto fala sobre o ato de representar historias porem sao dicas que podem ser adaptadas para a ilustração, o quadrinho e a animação/desenho animado em relação ao fato de serem narrativos

A arte de contar histórias

Quando o homem deixou de ser andarilho, tornou-se “homo-faber” e passou a fabricar instrumentos e a morar em cavernas.
Depois conquistou a palavra, tornando-se “homo-logus”. Por fim, conquistou o fogo e sentou-se ao seu redor para contar histórias.

Partilhavam-se as histórias das caçadas, os medos, os sonhos, as aventuras da vida, os encantos dos deuses.
Quem seria o nosso narrador? Aquele que contasse com mais emoção, que fosse um mestre das palavras.

Como toda arte, contar histórias possui técnicas e segredos. Técnicas e segredos que podem ser dominadas com alguma disciplina. Ter disciplina é ser discípulo de si mesmo. O contador de histórias é, antes, discípulo. Depois, mestre das tradições de sua tribo.

Depois de contar uma história devemos comentá-la, criar atividades que irão prolongar o prazer e trarão uma nova percepção dos personagens, da trama.

Mas cuidado! Comentar não significa propor questões interpretativas, nem destacar a mensagem contida na história. A mensagem se revela por si só. É preciso dar oportunidade ao ouvinte de refletir sobre o que ouviu, para que mergulhe na atmosfera que a audição cria. Devemosencorajá-los a falar sobre o assunto. Esta postura revelará que a história tem muito a oferecer emocional e intelectualmente.

A história não acaba ao término da narrativa. Devido à sua natureza metafórica, permanece na mente do ouvinte, que a incorpora como um alimento de sua imaginação criadora. Por isso é recomendável propor atividades subseqüentes que enriquecerão o universo individual, ajudando num processo de associação a outras atividades artísticas e educativas. Há vários tipos de atividades que podemos propor: painel de emoções, dramatização, desenhos, recortes, modelagem, dobradura, criação de textos etc. Todas estas atividades, quando utilizadas, mostram-se muito eficazes na construção de uma equipe de alta performance. E divertidas.

“Uma das muitas distinções entre a celebridade e o herói é que um vive apenas para si, enquanto o outro age para redimir a sociedade. O objetivo último da busca não será nem evasão nem êxtase, para si mesmo, mas a conquista da sabedoria e do poder para servir aos outros.” (Joseph Campbell)

terça-feira, 23 de abril de 2013

POR QUE NAO SE PRESERVA NOSSA HISTORIA?

   O texto de hoje tem a cidade de Fortaleza como foco de atenção porem na pratica o sentido pode ser aplicado a muitas cidades brasileira e é exatamente por isso que esta sendo postado aqui.

Fortaleza (CE) – Por que não se preserva a nossa História?

Para autoridades e especialistas, falta uma cultura de preservação por parte da população de Fortaleza. Futuro da Capital será debatido hoje no Fórum Adolfo Herbster.

Na Jacarecanga (e), casarões antigos, como a Escola de Artes e Ofícios (c), convivem com novas construções. No Centro, o Sobrado Doutor 
José Lourenço (d) é exemplo de preservação. Foto: Edimar Soares

Apreservação do patrimônio histórico de Fortaleza está na pauta do desenvolvimento da Cidade. Casos recentes de demolição de prédios antigos – como o bangalô azul, a Chácara Flora e a antiga sede do Hospital Mira y Lopez – levam a Capital a refletir sobre o modelo de desenvolvimento urbano que está sendo adotado.

Para especialistas ouvidos pelo O POVO, o problema é a falta um espírito de preservação da História no fortalezense. “Precisamos disso urgentemente”, alerta o professor do curso de Arquitetura da Universidade Federal do Ceará (UFC) e articulista do O POVO, Romeu Duarte.

O coordenador de Patrimônio Histórico e Cultural da Secretaria da Cultura de Fortaleza (Secultfor), Alênio Carlos Noronha Alencar, considera que a falta de uma disciplina sobre patrimônio histórico no currículo escolar é uma das raízes que explicam o desprezo de boa parte da população pelos prédios antigos.

A situação também é vivida por cidades consideradas modelos de preservação da História. “Em Recife, a população, de um modo geral, associa o seu patrimônio histórico à coisa velha, ultrapassada, que atrapalha o desenvolvimento da cidade. Isso, em parte, vem de uma formação modernista, onde o passado precisa ir embora. Se possível, sem deixar memória, para que o progresso chegue”, comenta o arquiteto e urbanista Zeca Brandão, coordenador do Núcleo Técnico de Operações Urbanas (NTOU) do Governo de Pernambuco. (...)
  
Cidade e patrimônio
Outro problema é a falta de sensibilidade da iniciativa privada, que, de maneira geral, não leva em conta a preservação em novos projetos. Também é necessário garantir o uso dos equipamentos, sob o risco de eles continuarem desprotegidos mesmo quando tombados. “Os órgãos de preservação não ajudam ao assumir uma postura ‘xiita’ na defesa desse patrimônio. A cidade é um patrimônio em permanente construção e precisa apresentar um certo grau de flexibilidade para se adequar às transformações”, defende o arquiteto e urbanista Zeca Brandão.

Entenda a notíciaAdolfo Herbster é o arquiteto responsável pela confecção da primeira planta detalhada de Fortaleza, em 1859. Outro material produzido por ele, em 1875, serviu de base.

terça-feira, 16 de abril de 2013

O PAPEL DE CADA UM NA PRESERVAÇAO DO PATRIMONIO CULTURAL

O texto de hoje se trata de uma questão do seculo 21 em conservação do patrimônio cultural: A urbanização crescente e a manutenção do que ainda resta de patrimônio. Ele comenta questões desenvolvidas relacionadas ao Estado de Minas mas que pode ser aplicada a qualquer estado, é claro que há um pouco do lado politico de exaltar algo como se aquilo ocorresse sem maiores problemas (o que não e verdade mas que pode ser relevado e retirado apenas as boas ideias mas vamos ao texto)   

O PAPEL DE CADA UM NA PRESERVAÇÃO DO PATRIMONIO CULTURAL

Equacionar a proteção do patrimônio cultural e a expansão urbana é um desafio não só do poder público, mas também dos cidadãos
 
Daniel Quintão - Especial para o Lugar Certo
Frederico Prates - Especial para o Lugar Certo

Através do IEPHA/MG, a O3L Arquitetura está desenvolvendo o projeto de restauração da Matriz de Nossa Senhora dos Prazeres, no distrito de Milho Verde, no Serro (O3L Arquitetura)

   Através do IEPHA/MG, a O3L Arquitetura está desenvolvendo o projeto de restauração da Matriz de Nossa Senhora dos Prazeres, no distrito de Milho Verde, no Serro

   Preservar e cuidar da manutenção do patrimônio cultural construído é um grande desafio da atualidade. O crescimento das cidades, a expansão imobiliária, o déficit habitacional e os impactos ambientais constituem fatores que desafiam os gestores públicos a confrontar o desenvolvimento eminente, com a necessidade de minimização de impactos ambientais e sociais.

     No âmbito do patrimônio cultural, esforços têm sido canalizados visando a consolidação de uma política de proteção de acervos, assim como ações efetivas de restauração de bens culturais que se encontram em estado de conservação ruim.

    Ao circular pelas cidades do interior do país, observa-se, com frequência, a degradação de inúmeros imóveis seculares, de valor artístico e cultural, de propriedade particular ou pública, que lamentavelmente dão lugar a outras edificações. Estas surgem de maneira abrupta e se sobrepõem à paisagem vernacular, tradicional, desconsiderando todos os condicionantes conformadores do espaço urbano e sua história. Desse modo, a leitura espacial e sua compreensão ficam comprometidas, uma vez que os suportes físicos da memória das cidades são apagados, dando lugar a construções que não dialogam e não respeitam o meio existente.

    Algumas iniciativas se fazem válidas ao resgatar e garantir a permanência da identidade cultural, além de incentivar outras ações que atuarão na manutenção da memória coletiva. O poder público estadual, através do Instituto Estadual do Patrimônio Histórico e Artístico de Minas Gerais –IEPHA/ MG, empenha-se na preservação e conservação de monumentos religiosos, civis, fazendas e inúmeros elementos artísticos integrados que compõem o rico acervo cultural mineiro, que carece de atenção e cuidados especiais.

    Neste contexto, o patrimônio cultural de Minas Gerais registra um importante passo na conservação de parte de seu acervo, através da iniciativa do governo estadual, ao colocar em prática ações que intervirão diretamente na manutenção de importantes monumentos distribuídos no território mineiro.

     Minas Patrimônio Vivo é um programa da Secretaria de Estado de Cultura de Minas Gerais, que visa a proteção do patrimônio cultural de Minas Gerais. Idealizado e coordenado pelo IEPHA/MG, o programa estabelece ações de restauração de bens culturais protegidos pelo estado, atividades de educação patrimonial, documentação e difusão de inventários, inspeção e vistoria aos bens, instalação de alarmes contra furtos e sistemas de proteção contra incêndio. O programa conta também com as parcerias do Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional – IPHAN, das Secretarias de Estado de Turismo e Educação, do Ministério Público de Minas Gerais, da Polícia Militar e do Corpo de Bombeiros Militar de Minas Gerais.

Em fevereiro deste ano, foram assinadas ordens de serviços para a execução de obras de restauro e projetos executivos de restauração dos seguintes bens culturais:
A Igreja Matriz de São Gonçalo, no distrito de São Gonçalo do Rio das Pedras, também no Serro, é outro exemplo de patrimônio que passa por processo de restauração, coordenado pela O3L Arquitetura, por meio do IEPHA/MG (O3L Arquitetura)


     A Igreja Matriz de São Gonçalo, no distrito de São Gonçalo do Rio das Pedras, também no Serro, é outro exemplo de patrimônio que passa por processo de restauração, coordenado pela O3L Arquitetura, por meio do IEPHA/MG
    Inúmeras outras ações são pioneiras e merecem ser lembradas. O programa de repasse do ICMS aos municípios - critério patrimônio cultural, estabelecido pela lei estadual 18.030/2009 – conhecida como Lei Robin Hood, já dispõe de grande adesão por parte dos municípios mineiros. Anualmente, trabalhos de catalogação do acervo, instauração de processos de tombamento, implementação de projetos de educação patrimonial, registro do patrimônio imaterial e fundo municipal de preservação do patrimônio cultural são atividades que podem ser desenvolvidas pelos municípios com efeito de pontuação no programa de repasse da quota do ICMS, critério patrimônio cultural. Minas Gerais é o estado da federação pioneiro no estabelecimento desta política pública de incentivo e descentralização das ações de preservação do patrimônio cultural local.


    A atuação da Promotoria Estadual de Defesa do Patrimônio Cultural e Turístico de Minas Gerais, vinculada ao Ministério Público do Estado de Minas Gerais, também tem colocado em prática ações de vistoria, fiscalização, acompanhamento e orientações às comunidades detentoras de acervos culturais. Atualmente, o órgão publicou o Manual Básico de Segurança e Conservação do Patrimônio Cultural Sacro, cujo conteúdo, destinado às paróquias e às comunidades guardiãs do patrimônio religioso, apresenta normas e procedimentos na conservação e manutenção do acervo sacro. A publicação pode ser consultada online através do link: 



    De uma maneira mais tímida, registra-se também tentativas de recuperação de edificações históricas através da iniciativa de particulares em manter e revitalizar seus imóveis. Apesar de todas as dificuldades, tais intervenções garantem e contribuem na manutenção de verdadeiros suportes da memória coletiva das cidades.


    Equacionar a proteção do patrimônio cultural e a expansão urbana é um desafio não só do poder público responsável pela gestão das cidades, mas também dos cidadãos, principais guardiães e interessados no desenvolvimento do seu habitat com qualidade sustentável. De um lado, os poderes legislativo e executivo devem estabelecer uma ligação entre as políticas de uso e ocupação dos solos com a política de proteção do patrimônio cultural, na qual se estabelece os meios e mecanismos de proteção do acervo cultural, garantindo a eficácia no cumprimento do que é determinado em lei. A comunidade, por sua vez, deve se responsabilizar pela guarda e difusão deste acervo, entendendo-o como parte inerente de sua própria história.

   Apenas uma gestão integrada com os principais atores desempenhando suas funções adequadamente poderá garantir melhor qualidade e controle na construção e manutenção do habitat do século 21.

fonte:
http://estadodeminas.lugarcerto.com.br/app/noticia/colunas/o3l-arquitetura/2013/04/09/interna_o3larquitetura,47129/o-papel-de-cada-um-na-preservacao-do-patrimonio-cultural.shtml

quarta-feira, 10 de abril de 2013

ARTE CINETICA: MOVIMENTO ROMPE COM A CONTRADIÇAO ESTATICA DA ARTE

Arte cinética: Movimento rompe com a condição estática da arte

Assunto: artes
Valéria Peixoto de Alencar*
Especial para a Página 3 Pedagogia & Comunicação


     Segundo o dicionário, cinética é o ramo da física que trata da ação das forças na mudança de movimento dos corpos. A palavra tem origem no grego kinétós, que significa móvel ou o que pode ser movido.
   Foi pensando nisso e numa antiga preocupação nas artes visuais, a realização do movimento (veja no texto Barroco - Igreja impulsiona arte sacra a escultura David, de Bernini), que artistas da década de 1950 levaram às últimas conseqüências essa discussão, exatamente quando aconteceu a exposição Le mouvement (O movimento), no ano de 1955, em Paris, com obras de artistas de diferentes gerações: Marcel Duchamp (1887-1968), Alexander Calder (1898-1976), Vasarely (1908), Jesus Raphael Soto (1923) Yaacov Agam (1928), Jean Tinguely (1925), Pol Bury (1922), entre outros.

    A arte cinética busca romper com a condição estática da pintura e da escultura, apresentando a obra como um objeto móvel, que não apenas traduz ou representa o movimento, mas está em movimento.



Reprodução
Alexander Calder, The Star, 1960.


   
  O artista Alexander Calder, por exemplo, é muito conhecido por seus famosos móbiles, como o da imagem acima. Construídos com peças de metal pintadas e suspensas por fios de arame, os móbiles movem-se por mais suave que seja a corrente de ar - e o movimento independe da posição e do olhar do observador, produzindo efeitos mutáveis em função da luz. Ao observador cabe contemplar o movimento inscrito nas obras, "desenhos quadridimensionais", como disse Calder.
 

Arte cinética brasileira

   No Brasil, podemos citar, dentre outros artistas, as obras de Abraham Palatnik. Considerado um dos pioneiros da arte cinética, nasceu em 1928, em Natal (RN).
   Pintor e desenhista, Palatnik mudou-se com a família, em 1932, para Israel, onde estudou, entre 1942 e 1945, na Escola Técnica Montefiori, em Tel-Aviv, especializando-se em motores de explosão. Também estudou arte nos ateliês de Haaron Avni e de Sternshus, e no Instituto Municipal de Arte de Tel-Aviv. Retornou ao Brasil em 1948, instalando-se no Rio de Janeiro, onde conviveu com os artistas Ivan Serpa e Renina Katz, e com o crítico de arte Mário Pedrosa.

    O contato com os artistas e as discussões conceituais com Mário Pedrosa fizeram Palatnik romper com os critérios convencionais de composição. Ele abandonou, então, o pincel e a arte figurativa, iniciando relações mais livres entre cor e forma.

    Por volta de 1949, iniciou estudos no campo da luz e do movimento, que resultaram no Aparelho cinecromático, exposto em 1951, na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, pelo qual recebeu menção honrosa do júri internacional.

   A partir de 1964, Palatnik desenvolveu os Objetos cinéticos, um  desdobramento dos cinecromáticos, mostrando o mecanismo interno de funcionamento e suprimindo a projeção de luz. O rigor matemático é uma constante em sua obra, atuando como importante recurso de ordenação do espaço.


Reprodução
Abraham Palatnik, Comunicação cinética, 1967.


Veja mais


Leia uma interessante entrevista concedida por Abraham Palatnik.

Valéria Peixoto de Alencar*
 

Especial para a Página 3 Pedagogia & Comunicação *Valéria Peixoto de Alencar é historiadora formada pela USP e mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp. É uma das autoras do livro Arte-educação: experiências, questões e possibilidades (Editora Expressão e Arte).

 Fonte http://educacao.uol.com.br/disciplinas/artes/arte-cinetica-movimento-rompe-com-a-condicao-estatica-da-arte.htm

terça-feira, 9 de abril de 2013

ARTE E INTERATIVIDADE: AUTOR-OBRA-RECEPÇÃO

ARTE E INTERATIVIDADE: AUTOR-OBRA-RECEPÇÃO

 Pensar a arte interativa dentro do contexto das Novas Tecnologias da Comunicação, como uma nova categoria de arte, requer um mergulho na história recente, à vista da expansão das noções de arte, de criação e também de estética. Além disso, no decorrer deste século, verifica-se um deslocamento das funções instauradoras (a poética do artista) para as funções da sensibilidade receptora (estética), o que produz no meio artístico uma grande confusão conceitual caracterizada, ainda, pela mistura e hibridação de gêneros, poéticas e atitudes artísticas.

Por outro lado, a compreensão dos novos meios costuma-se fazer apartir de metáforas e conceitos de tecnologias anteriores. No caso das NTC, expressões de origem náutica como navegar, piratear, redes, imergir, cibernauta etc. etc., são utilizadas enquanto não aparecem outras. Mas a inversa resulta gratuita e falaciosa, expressões como "interatividade", "interação", "tempo real", "virtual", etc., quando utilizadas metaforicamente, no campo da arte em geral, projetam conceitos fora de contexto e criam efeitos sem causa.

O tema da "recepção" percorre quase todo o século XX. M. Duchamp já afirmara que "é o espectador que faz a obra" e, "a arte nada tem a ver com democracia", o que indica uma preocupação com a recepção. Anteriormente, Isidore Ducasse, conde de Lautréamont escreveu: "a poesia deve ser feita por todos, não por um". Para os simbolistas, o princípio estético da sugestão era fundamental, Mallarmé: "Nomear um objeto é suprimir três quartas partes do gozo de um poema". E Paul Valéry: "Não há um verdadeiro sentido para um texto".

Para L. Ferrara (1981) "A participação do receptor – aviltada, desejada, repelida, solicitada, estimulada, exigida- é tônica que perpassa os manifestos da arte moderna em todos os seus momentos e caracteriza a necessidade de justificar a sua especificidade".

Quando, em 1922, Moholy Nagy decide "pintar" um quadro por telefone, inaugura-se, de forma pioneira, o universo da "interatividade". Posteriormente, Bertold Brecht (1932) pensava a interatividade dos meios de comunicação numa sociedade democrática e plural. Entretanto, é necessário fazer um levantamento conceitual das interfaces, tendências e dispositivos que se situam na linha de raciocínio da inclusão do espectador na obra de arte, que - ao que tudo indica - segue esta linha de percurso: participação passiva (contemplação, percepção, imaginação, evocação, etc.), participação ativa (exploração, manipulação do objeto artístico, intervenção, modificação da obra pelo espectador), participação perceptiva (arte cinética) e interatividade, como relação recíproca entre o usuário e um sistema inteligente. Esta fortuna crítica é fundamental, visto que a história reaparece sob o formato virtual.

A abertura de primeiro grau

Nos anos vinte e no campo dos estudos da linguagem, a obra de Mikhail Bakhtin (1979) inaugura o dialogismo: "todo signo resulta de um consenso entre indivíduos socialmente organizados no decorrer de um processo de interação (…) que "não deve ser dissociado da sua realidade material, das formas concretas da comunicação social". Para Mikhail Bakhtin, a primeira condição da intertextualidade é que as obras se dêem por inacabadas, isto é, que permitam e peçam para ser prosseguidas. O "inacabamento de princípio" e a "abertura dialógica" são sinônimos. O conceito bakhtiniano de "intertextualidade" que estende o dialogismo à literatura e a todas as artes (intervisualidade, intermusicalidade, intersemioticidade) prenuncia avant la lettre o conceito de "hipertexto". O que caracteriza a intertextualidade é, precisamente, a introdução de um novo modo de leitura que faz estalar a linearidade do texto. Sejam quais forem os textos assinalados, o estatuto do discurso intertextual é comparável ao de uma super-palavra, na medida que os constituintes deste discurso já não são palavras e sim coisas já ditas, organizadas, fragmentos textuais. A intertextualidade fala uma língua cujo vocabulário é a soma dos textos existentes.

Entre as décadas de vinte e trinta surge a teoria das "Funções da Linguagem" de Roman Jakobson, membro do Círculo Linguístico de Praga, onde o autor dá início ao estudo funcional da linguagem partindo da distinção entre a função de comunicação das linguagens prática e emotiva, que é caracterizada por sua orientação para o significado, e a função poética, que se exprime pela orientação para o signo com o tal. Esta teoria, associada ao modelo de Karl Bühler que desenvolve a sua concepção a partir do tríplice caráter instrumental da linguagem partindo de seus fundamentos na situação comunicativa: o remetente, o destinatário e o discurso, permite estabelecer e precisar os usos e funções das linguagens verbais e também as não-verbais.

É a partir dos anos cinqüenta que se constituem, no campo da arte, tendências que traduzem e antecipam as mudanças produzidas pelas tecnologias. De uma parte, o artista se interessa por uma nova forma de comunicação em ruptura com o contexto mass-mediático e unidirecional, uma tendência que procura a participação do espectador para a elaboração da obra de arte, modificando, assim, o estatuto desta e do autor. Por outro lado, a tendência que insiste mais na produção que no produto e tenta, portanto, desconstruir o processo criativo. Assim, a teoria associada com as tecnologias da comunicação permite aos artistas tornar perceptíveis os três momentos da comunicação artística: a emissão da mensagem, sua transmissão e sua recepção.

Na arte visual, a afirmação de A. Malraux (1951) , segundo a qual a obra de arte não é criada a partir da visão do artista, mas a partir de outras obras, já permite perceber o fenômeno da intervisualidade como processo de construção, de reprodução ou de transformação de modelos. Já o conceito de "Museu Imaginário" do mesmo autor, incorpora a recepção pelo viés da reprodutibilidade fotográfica, toda vez que esta tecnologia permite criar museus individuais a partir de cópias das obras de arte.

Na teoria da Obra Aberta (Eco, 1962), o autor define a arte como "uma mensagem fundamentalmente ambígua, uma pluralidade de significados em um só significante". Este conceito de obra de arte inaugura a chamada "abertura de primeiro grau". Por outro lado, a noção de poética como programa operacional proposto pelo artista corresponde ao projeto de formação de determinada obra. Os graus de abertura da obra servirão para equacionar a participação.

Entre nós, "A Arte no Horizonte do Provável" (1963) de Haroldo de Campos, é um texto precursor e contemporâneo da "Opera Aperta" de Eco que expõe a problemática do "probabilismo integrado na fatura mesma da obra de arte, como elemento desejado de sua composição". Mais precisamente, "A Obra de Arte Aberta" de Haroldo de Campos (1955) é um texto seminal que manifesta a problemática da abertura estética, na época também acolhida pelo pensamento do músico Pierre Boulez: "Não estou interessado na obra fechada, de tipo diamante, mas na obra aberta, como um barroco moderno".

As primeiras obras efetuadas com o computador obedecem ao conceito de "arte permutacional" e são, na sua grande maioria, não-figurativas. Este conceito ou síntese teórica exposta por A. Moles no seu "Manifesto da arte permutacional" (1962) revela a noção de permutação poética, ou plástica, caracterizada pela consciência do jogo e de suas regras para a exploração do "campo dos possíveis". Para Moles, "A arte permutacional está inscrita qual marca de água na era tecnológica".

As estruturas combinatórias, manipuláveis, como o poema de Raymond Queneau "Cent Mille Milliards de Poèmes" (1961), também obedecem ao conceito de literatura potencial mas que, na realidade, está inscrito na arte permutacional.

Na poesia concreta brasileira do grupo Noigandres (1953-56), o problema da obra de arte aberta se colocou não apenas teoricamente. A matriz aberta de muitos poemas concretos permitia vários percursos de leitura, na horizontal e vertical, possibilitando o combinatório e o permutacional como em "solitário/solidário" (1959) de Ronaldo Azeredo e o poema "acaso" (1963) de Augusto de Campos.

Surge a "poesia de participação": "petróleo" de José Lino Grünewald (1957); "cubagramma" de Augusto de Campos (1960-62); "estela cubana" de Décio Pignatari (1960-62); "popcreto para um popcrítico" de W. Cordeiro (1964); e os "poemas semióticos" (Luiz A. Pinto e D. Pignatari, 1964), onde uma chave verbal mínima introduz e encoraja uma expressão do leitor.

Surge também a "poesia de processo" (W. Dias Pino, 1967): "Abertura à participação como integração / poema:objeto físico". "Processo: manipulação + desencadeamento de invenções". (…) "Não se busca o definitivo, nem ‘bom’ nem ‘ruim’, porém opção. Opção: arte dependendo de participação, O provisório: o relativo. Ato: sensação de comunicação, contra o contemplativo".

Na década de cinqüenta, Max Bense (1972) dá início à chamada "Estética Gerativa" como arte criada a partir de processos aleatórios, que se utilizam do computador para gerar imagens que são produtos das relações ordem/desordem de um dado repertório e simulam processos relacionados à criatividade, ao pensamento visual e também aos processos naturais de crescimento. Cabe assinalar, também, a teoria do "texto artificial" (Poesia Natural e Poesia Artificial, 1964), do mesmo autor, realizada através de processos informáticos. O texto sintético é investigado por Bense através da semiótica peirceana e seu sistema triádico, isto é, como referência de meio, de objeto e de interpretante. Esta teoria sugere pontos de conexão com a problemática da interatividade, precisamente através da noção semiótica de interpretante ou significado.

No final dos anos sessenta e no campo da literatura, os estudos de alguns teóricos da escola de Konstanz (Jauss, Iser, entre outros), criam a Estética da Recepção onde concluem que os atos de leitura e recepção pressupõem interpretações diferenciadas e atos criativos que convertem a figura do receptor em co-criador. Na Teoria da recepção "nenhum texto diz apenas aquilo que desejava dizer" e " o sujeito da produção e o sujeito da recepção não são pensáveis como sujeitos isolados, mas apenas como social e culturalmente mediados, como sujeitos ‘transubjetivos’".

Estas teorias traduzem, assim, as inquietações de determinada época, e se inserem nas questões colocadas atualmente pela interatividade, com o desenvolvimento acelerado das tecnologias informáticas no que diz respeito à economia simbólica da sociedade e não somente como preocupação dos artistas.

A teoria da criatividade (A. Moles-Wallas, 1971), explicitada nas fases projeto, informação, incubação, iluminação, formulação e comunicação, coloca questões relativas a uma arte concebida como projeto a ser produzido e como processo criativo de pesquisa acelerando a arte experimental.

Por outro lado, as questões teóricas relativas à poética da tradução, nos campos da poesia e literatura, onde "traduzir é a maneira mais atenta de ler", encontram em Haroldo de Campos (Da Tradução como Criação e como Crítica,1962) seu teórico mais lúcido. Para este autor, a congenialidade entre autor e leitor se vivifica pela recriação ou criação paralela, ou seja, traduzir é transcriar.

Na mesma trilha da tradução como forma de arte e, entre as diversas artes, está a Tradução Intersemiótica (Plaza, 1987), onde o autor, nas palavras de Eduardo Peñuela Cañizal "abala os cimentos de uma teoria tão sólida como a de E. Benveniste, já que fica provado que não só os sistemas verbais são interpretantes, mas também os sistemas semióticos não-verbais, relegados pelo conhecido linguísta à condição de interpretados".

As questões relacionadas à abertura da obra de arte, fazem tradicionalmente parte do Oriente (a arte Taoísta, por ex.) que sempre deu ênfase as relações entre perceptor e percepção, entre a obra de arte e a recepção, através de várias chaves estéticas como: resonância, ritmo vital, reticência e vazio. Estas chaves foram incorporadas ao Ocidente pelas vanguardas. A chave da harmonia estética ou resonância, que o Ocidente chama de empatia vem dada pelo isomorfismo recíproco (similaridade de estrutura) entre perceptor e percebido.

Reticência e sugestão: elevar a percepção, sugerir, o que se sugere não se deve dizer. Mallarmé: "Creio necessário que não haja mais que alusão. Nomear um objeto é suprimir tres quartas partes do gozo de um poema".

Ritmo vital: energia, espontaneidade, J. Pollock: "Eu não pinto a natureza, eu sou natureza".

Vazio, na estética oriental o "vazio" não é algo para ser preenchido (como na visão ocidental), mas algo que seria "Gestalt" (ou unidade de percepção), manancial prenhe de potência de onde, pela dança da energia nascem todas as formas.

Nas artes visuais se faz referência ao conceito de "intervalo" que também não é o vazio ocidental, mas o espaço. Trata-se do "espaço-entre" ("Ma" para a estética japonesa –"Rarus" em latim -espaçado, poroso, esparço, intervalo) como no Volpi das bandeiras, em Escher, Morandi e Mondrian. É Gestalt. Na arte figurativa o intervalo se semantiza e ambigüiza. Braque: o que interessa é o espaço entre objetos e não os objetos. Dada, Cubismo, arte e poesia concreta. É o intervalo que possibilita a leitura do heterogêneo (do outro) e não do homogêneo (o mesmo).

Morandi e Mondrian, são os pintores que resolvem a questão entre o quadro-janela e o quadro-pintura. Morandi, durante toda a sua vida, pinta as mesmas coisas: garrafas, e recipientes vazios, poucas flores, poucas paisagens. Morandi pinta e constrói o espaço a partir do objeto, assim como Mondrian a partir do conceito. Morandi define o espaço-entre os objetos com um espírito de sutileza, Mondrian segundo o espírito de geometria, mas os dois com o mesmo absoluto rigor.

A noção de intervalo, para além do sentido lato: "espaço entre dois pontos" ou "espaço de tempo entre dois fatos", tem um significado em Estética mais conciso. Na literatura, por ex., "Intervalo" significa a apreensão dos significados pela via de sua tradução literária. O intervalo não é um vazio, é antes aquele tempo/espaço em que a literatura aponta para outras esferas do conhecimento a partir das quais o signo literário alcança a representação. Em suma, intervalo é interpretação entre um texto e seus referentes.

A abertura de segundo grau

As noções de "ambiente" e "participação do espectador" (Popper, 1993) são propostas e poéticas típicas da década de sesssenta. O ambiente (no sentido mais amplo do termo) é considerado como o lugar de encontro privilegiado dos fatos físicos e psicológicos que animam nosso universo. Ambientes artísticos acrescidos da participação do espectador contribuem para o desaparecimento e desmaterialização da obra de arte substituída pela situação perceptiva: a percepção como re-criação.

É com os chamados "ambientes pluriartísticos" ou "transartísticos" que, segundo Frank Popper, o princípio de criação coletiva cristaliza uma tendência geral em todos os países onde as criações, meios de expressão e especialistas (teatro, dança, poesia, artes plásticas, música, cinema, etc.) nivelam-se hierarquicamente e a transferência da responsabilidade criativa para o público se acentua. A obra desmaterializa-se e a atividade criativa, de forma geral, torna-se pluridisciplinar. Nos ambientes, é o corpo do espectador e não somente seu olhar que se inscreve na obra. Na instalação, não é importante o objeto artístico clássico, fechado em si mesmo, mas a confrontação dramática do ambiente com o espectador.

A noção de "arte de participação" tem por objetivo encurtar a distância entre criador e espectador. Na participação ativa o espectador se vê inducido à manipulação e exploração do objeto artístico ou de seu espaço.

Os conceitos de "ativo" e "passivo", relacionados aos ambientes visuais e polisensoriais - e sem incorporar dispositivos próprios para provocar a intervenção do espectador - levam Popper a teorizar esses ambientes que aproximam vida e arte sob três aspectos: a) meta-arquitetural (ambiental); b) expressivo (pessoal, individual); c) social (participação).

Esta tendência invoca as artes: o teatro (Living Theater), a música experimental (J. Cage, K. Stockhausen, H. Pousseur, P. Boulez), a dança (M. Cunninham) Inclui também a obra aberta como participação de segundo grau (manipulação de elementos plásticos – Calder, Soto, L. Clark), penetráveis (onde o espectador penetra ou veste objetos: parangolés de Hélio Oiticica) ou ambientes (Soto). Lygia Clark: "No meu trabalho, se o espectador não se propõe a fazer a experiência, a obra não existe".

Com a participação lúdica e a criatividade do espectador, aparecem os conceitos de "arte para todos" e "do it yourself": Com a participação ativa que inclui o acaso, como nos happenings (criação e desenvolvimento em aberto pelo público, sem começo, meio e fins estruturados – J. Cage, A. Kapprow, Grupo Fluxus), radicaliza-se este tipo de arte.

Mas é com a criação de obras totais anônimas e comunitárias que os Situacionistas (cujo modelo é o homo ludens) radicalizam ainda mais a questão: "Contra o espectáculo, a cultura situacionista realizada introduz a participação total. Contra a arte conservada, é uma organização do momento vivido, diretamente. Contra a arte parcelada, será uma prática global que se dirija ao mesmo tempo a todos os elementos utilizáveis. Tende naturalmente a uma produção coletiva e, sem dúvida, anônima e sem mercadorias artísticas" (…) "Contra a arte unilateral, a cultura situacionista será uma arte do diálogo, uma arte da interação. Os artistas, tem estado totalmente separados entre eles pela concorrência". (…) "O papel do situacionista será de amador-profissional, de antiespecialista até o momento de abundância econômica e mental, em que todo o mundo se convertirá em ‘artista’, num sentido que os artistas não alcançaram: a construção de sua própria vida". (Manifesto da Internacional Situacionista, 1960).

A "participação do espectador" caracteriza-se por um abandono progressivo do primeiro conceito (de cunho mais ético e político), e sua transformação gradativa pela Op-art e a arte Cinética pelo campo da percepção (Yacob Agam) e, posteriormente, pela holografia e o raio LASER, que acentuam o lado perceptivo, já que, ele se constitui em elemento central dos dispositivos tecnológicos bem como dos processos artísticos.

No meio brasileiro, e para além do debate estético, concreto versus neo-concreto (típico dos anos cinqüenta), cabe destacar o caráter de abertura de primeiro grau na poesia e na arte concretas, cabe assinalar também a abertura em prospectiva do concretismo na previsão dos novos campos tecnológicos que estão-se desenhando e consubstanciando no atual horizonte multimidiático, isto, com Waldemar Cordeiro à frente. Ou seja, para o concretismo brasileiro a questão nunca foi de teologia e sim de tecnologia pois foram os concretos que previram a máquina como agente de instauração estética.

Já alguns neo-concretos se identificaram mais com a abertura de segundo grau, ou seja, a chamada "arte de participação". A abertura de segundo grau não se identifica, pois, com o caráter ambíguo da inovação, senão com as alterações estruturais e a variedade temática (social, orgânica, psicológica) para promover atos de liberdade dos espectadores sobre a obra que chama à participação. Posto isto, resulta inadequado, chamar as obras de Hélio Oiticica (ambientes penetráveis) ou mesmo de Lygia Clark (trepantes e bichos) de arte interativa.

Pequena nota cômico-irônica: grande parte das obras expostas na IX Bienal de São Paulo (da qual participamos -1967), dedicada dominantemente à "arte de participação", terminaram no lixo, devido aos estragos e excessos de participação do público. Desde então, a "arte de participação" ficou datada no imaginário do consumidor de arte brasileiro.

Arte e Interatividade: a abertura de terceiro grau

As relações entre arte e tecnologia, com seu caráter progressivo, aceleram-se com as novas configurações computacionais, mas é na exposição "Cybernetic Serendipity" (Londres, 1968), organizada por Max Bense e Jasia Reichardt, que se expõem, pela primeira vez, obras criadas com a ajuda do computador e onde se abre a polêmica: "pode o computador criar obras de arte?", "As obras criadas com a ajuda da informática possuem um valor estético?".

Posteriormente, o artigo "Art ou non-Art?", aparecido em Dossies de l’audiovisuel (1987), recolhe uma diversidade de pontos de vista de alguns artistas a respeito destas questões.

Jasia Reichardt escreveu que "o computador nunca produziu algo que possa ser comparado com uma obra de arte".

Por outro lado, é conhecida a ênfase (maneirista) dada aos meios e técnicas - mais que propriamente aos resultados - que remetem ao conceito mcluhiano "o meio é a mensagem".

Os críticos, por sua vez, afirmam que esta forma de expressão não proporciona mais que uma sucessão de atos e não de produtos.

Já Paul Valéry disse "uma imagem é mais que uma imagem; é, talvez, mais que a coisa onde ela se dá".

Como defesa, Philippe Quéau nos diz "A iconografia computadorizada anuncia-se como uma nova ferramenta de expressão artística que dispõe de um duplo campo de investigação formal e sinestésico".

Para Edmond Couchot, está emergindo uma arte visual nova, uma arte numérica e, por extensão, uma cultura fundada sobre o entrecruzamento do tecido das diferenças, não somente estéticas e éticas, mas também antropológicas e sociológicas, que não poupam pessoas nem diferenças culturais.

E Michel Serres vê na tecnologia informática "o momento de inventar uma nova gramática para as imagens, o equivalente na música da fuga e do contraponto".

Já para Douglas Hofstadter "o computador só fornece o que é da ordem da sintaxe".

Gene Youngblood aponta que o computador terminará por englobar todos os meios, todos os sistemas diferenciados de que dispomos atualmente; fotografia, cinema e escrita funcionarão a partir de um certo código numérico.

Para Jurgen Claus, a arte eletrônico-tecnológica e mediática constitui uma nova etapa qualitativa, comparável àquela da introdução da tela na pintura, em todas as suas incidências econômicas, sociais e criativas.

Yoichiro Kawaguchi pensa que "é natural e evidente que a arte tradicional e a infográfica recorrem a métodos diferenciados para perceber o tempo e o espaço, mas se pode pensar, hoje, que virá o tempo onde a imagem e o som infográficos vibrarão sob o mesmo diapasão de qualidade que as artes tradicionais".

Bill Viola disse que "a verdadeira natureza da nossa relação com o real não reside mais na impressão visual, mas nos modelos formalizados dos objetos e o espaço que o cérebro cria a partir das sensações visuais".

E Françoise Holtz-Bonneau: "A pesquisa sobre a arte numérica não pode estar restrita à técnica. (...) A imagem numérica chama à "criática". (...) Entendo por ‘créatique’ uma criação artística gerada por computador (...) onde a geração da imagem será analisada e determinada não pelos expertos em sistemas expertos, mas pelos expertos em imagens, considerados enfim como os especialistas da criação artística infográfica".

Para A. Moles (1975), "A arte não é uma coisa como a ‘Vênus de Milo’ ou o ‘Empire State Building’; é uma relação ativa do homem com as coisas, mais-valia de vida, programação da sensualidade ou experiência de sensualização das formas; é sempre o mesmo jogo: formatar o ambiente ou ser formatado por ele (...) não é mais o resultado de uma continuidade espontânea do movimento da mão, mas uma vontade de forma...".

Estamos, portanto, diante de um universo tecnológico formidável, problemático e complexo, fruto do esforço e da inteligência humana, e que nos produz o sentimento estético do Sublime (Kant); nas palavras de Mário Costa (1995), como moto de grandeza e potência fora de toda medida antropomórfica.

Neste processo progressivo é importante frisar que o artista trabalha na contramão da teleologia tecnológica, no sentido em que ele não a homologa enquanto produtora de mímese do real, mas na criação de outros referentes.

Os artistas tecnológicos estão mais interessados nos processos de criação artística e de exploração estética do que na produção de obras acabadas. Eles se interessam pela realização de obras inovadoras e "abertas", onde a percepção, as dimensões temporais e espaciais representam um papel decisivo na maioria das produções da arte com tecnologia.

Ao participacionismo artístico sucedem as artes interativas e a participação pela interatividade, só que, desta vez, há a inclusão do dado novo: a questão das interfaces técnicas com a noção de programa.

As noções de interação, interatividade e multisensorialidade intersectam-se e retroalimentam as relações entre arte e tecnologia. A exploração artística destes dados perceptuais, cognitivos e interativos está começando. A arte das telecomunicações, a telepresença e mundos virtuais partilhados, a criação compartilhada, a arte em rede (herdeira da mail-art) problematizam os câmbios sócio-culturais relacionados com o progresso tecnológico.

A interatividade como relação recíproca entre usuários e interfaces computacionais inteligentes, suscitada pelo artista, permite uma comunicação criadora fundada nos princípios da sinergia, colaboração construtiva, crítica e inovadora.

A multisensorialidade trazida pelas tecnologias é caracterizada pelo uso de múltiplos meios, códigos e linguagens (hipermídia), que colocam problemas e novas realidades de ordem perceptiva nas relações virtual/atual.

Os conceitos de "artista", "autor" e "poética", a desmaterialidade da obra de arte, a recepção, as artes de reprodução e mesmo o conceito de reprodutibilidade encontram-se, atualmente, revolucionados. Estes fatos foram recolhidos pela exposição "Les Immateriaux" (organizada por J.F. Lyotard no Georges Pompidou, 1985), que enfatizava os problemas filosóficos "pós-modernos", acentuados pela transformação do mundo material, pelos meios de massas e filtrados pelas tecnologias onde a matéria se torna invisível, impalpável, reduzida às ondas telemáticas.

O conceito de interatividade, viabilizado tecnologicamente por Ivan Sutherland (1962), viria a tomar forma cultural mais definitiva com a criação das artes da telepresença e das redes telemáticas, nos anos 80.

O termo "arte interativa" expande-se no começo dos anos 90 com a aparição das tecnologias apropriadas, ligadas ao cabo telefônico, expostas em inúmeras feiras e exposições de arte, de tecnologia eletrônica (Faust, França; Imagina, Mônaco, Siggraph, EUA, entre muitas outras) e eventos relacionados ao videotexto, fax, "slow scan" e outros meios.

No panorama europeu, as sucessivas edições do evento "Ars Electronica" têm sido o lugar catalisador das artes e tecnologias. A "Ars Electronica" de 1989 apresentou o tema central "A rede dos sistemas: a arte como comunicação", com os seguintes sub-temas: a comunicação, a interatividade e o diálogo; a função da arte no quadro destes fenômenos de interesse social; a telecomunicação, os projetos interativos e o tema global da cultura na era da informática. Numa outra seção, Ars Electronica debatia um simpósio sobre "A liberação dos meios", examinando como as tecnologias permitem aos artistas conceber obras multimídia, dando partida, assim, a uma nova disciplina artística, fundada sobre a interação dos meios mais diversos.

Exposições mais específicas foram realizadas, como o fórum "Para uma cultura da interatividade?" (Cité des Sciences et de l’Industrie de La Villette, Paris, 1991). Na primeira parte deste fórum foi debatida a interatividade em relação à cultura tecnocientífica; na segunda parte, a interatividade como instrumento de criação a serviço dos artistas. Neste evento, Jean-Louis Weissberg, sintetizou a idéia de que, na comunicação, a visão é modificada, e que as tecnologias visuais assistem, objetivam e intensificam os componentes abstratos das percepções humanas. Ver, para Weissberg, não é somente um ato de recepção passivo, mas também uma projeção. A simulação computadorizada e a imagem interativa refletem, conceitualmente, os processos de percepção.

A Ars Electronica de 1990 tinha por tema "Sonhos numéricos – mundos virtuais", apresentando as expressões mais recentes do imaginário numérico: criação de realidades artificiais, universos controlados por computador e reagindo com inteligência aos nossos desejos, imagens numéricas e sonogramas.

A Ars Electronica de 1991, sob o título "Perda do Controle", referia-se aos perigos da rápida tecnologização da existência humana na modificação das relações entre indivíduos e nações, entre seres humanos e natureza. Projetou-se, também, um espetáculo interativo que demonstrava, por outro lado, que as técnicas de ponta podem, igualmente, servir para detectar, evitar e combater diversas catástrofes.

No Brasil e contemporaneamente à mostra da primeira paisagem interativa (Ilha de Carla, Nelson Max, 1983) no evento "Electra" (Museu de Arte Moderna de Paris, 1983), acontecia a exposição "Arte pelo telefone: Videotexto" (Museu da Imagem e do Som, São Paulo, 1982 e Bienal Internacional de São Paulo, 1983 –Plaza, org.) que envolvia artistas com produções relacionadas à poesia, narrativa e artes visuais, partindo dos recursos interativos próprios do Videotexto, gerenciado, na época, pela Telesp.

Já no evento, "Sky-Art Conference" (Mac-Usp e CAVS-MIT, São Paulo-Boston via satélite, organizado por Wagner Garcia, 1986), se propriciam as condições para realizar interações dialógicas (utilizando-se do sistema "Slow-Scan") entre São Paulo e Estados Unidos segundo um modelo de interconetividade planetária.

Cabe destacar as poéticas construídas em redes, com a criação compartilhada, concebidas por Gilbertto Prado e Karen O’Rourke em colaboração com o grupo Art-Réseaux de Paris.

Posteriormente, inúmeras exposições utilizando o fax e "slow-scan" como meios interativos foram realizadas. "Via Fax" (Museu do Telefone, Rio de Janeiro) e também "Arte no Século XXI: A Humanização das Tecnologias" (Memorial de América Latina e MAC-USP -1995).

Para artistas da comunicação, como Fred Forest (1998), a transmissão cultural desmaterializada provoca a emergência de uma criatividade e inteligência coletivas e a exploração de novos espaços-tempos, uma "dilatação e densificação" dos potenciais imaginários e sensíveis.

Para Forest, as artes relacionadas com a informática, a robótica e as telecomunicações resumem-se a três palavras-chaves: "simulação", "interatividade", e "tempo real". Diante das mudanças em curso, é o momento para que a história da arte seja "revisitada". A economia simbólica, os modos de fabricação e circulação da arte contemporânea são, assim, afetados pelo novo contexto. O artista da comunicação e sua obra interativa só existem pela participação efetiva do público, o que torna a noção de "autor", conseqüentemente, mais problemática. O estado de coisas nos conduz à absoluta necessidade de "redefinir", também, o conceito de artista.

A materialidade da obra, sua diferença, está no novo modo de apreensão, na sua gênese, sua estrutura aberta ao público e na reprodutibilidade sem limites.

As artes da comunicação produzem, então, obras caracterizadas como:

sistema e hibridação multimídia;
situação de experimentação para o receptor;
inscrição no espaço global da informação com todos os suportes confundidos: Internet, redes telemáticas, etc.;
encarnação em uma configuração de natureza abstrata que não pode ser percebida "visualmente" na sua totalidade;
oferta de possibilidades inéditas para a recepção, via-interatividade, que coloca problemas para a noção de artista-autor.
Entende Forest que os sentidos da obra artístico-telemática são produzidos durante o curso de um processo dialógico, lançado pelos autores, atores co-autores (ou colaboradores) como "agentes inteligentes" da obra. Nas artes da interatividade, portanto, o destinatário potencial torna-se co-autor e as obras tornam-se um campo aberto a múltiplas possibilidades e susceptíveis de desenvolvimentos imprevistos numa co-produção de sentidos. É assim que nasce a chamada inteligência distribuída ou "coletiva".

Também, para outros artistas da comunicação, o conceito de interatividade não se aplica somente às ciências informáticas e seus derivados (que são capazes de simular um diálogo), mas também a uma nova forma de apreender as comunicações. Assim, é possível falar de um lugar de encontros fundado sobre as comunicações, graças ao qual os processos interativos se tornam uma realidade em escala planetária. As intervenções em muitos eventos artísticos evidenciam que a noção de interatividade serve às funções pedagógicas, culturais e criadoras.

Para o teórico da arte-comunicação Mário Costa (1987), "A estética da comunicação não fabrica objetos nem trabalha sobre formas; ela tematiza o espaço-tempo". A estética da comunicação é uma estética de eventos. O evento subtrai-se da forma e se apresenta como fluxo espaço-temporal ou processo dinâmico do vivo.

Uma obra de arte interativa é um espaço latente e suscetível de todos os prolongamentos sonoros, visuais e textuais. O cenário programado pode se modificar em tempo real ou em função da resposta dos operadores. A interatividade não é somente uma comodidade técnica e funcional; ela implica física, psicológica e sensivelmente o espectador em uma prática de transformação.

Também para Edmond Couchot (1998), a imagem é, pois, uma atividade que põe em jogo as técnicas e um sujeito (artesão, artista,…) que, além de operar com essas técnicas, possui um savoir faire que porta um traço, voluntário ou não, de uma certa singularidade. Como operador, este sujeito controla e manipula as técnicas, mas ele também é "operado" por elas, é modelado pelas técnicas através das quais ele vive uma experiência íntima que transforma a percepção que ele tem do mundo: é a experiência "tecnestésica". As técnicas não são somente modos de produção; são também modos de percepção do mundo. Toda técnica nova não entranha necessariamente uma nova imagem, mas faz surgir as condições de sua aparição.

Aliada à individualização dos usos computacionais, esta situação vem provocar subversões nos esquemas tradicionais da comunicação ao inserir o agente ativo (o programa) entre o usuário e a máquina; as categorias clássicas do emissor, do receptor, da mensagem e do canal de comunicação entram em movimento e se trançam. Neste sentido, a interatividade é um dos disfarces possíveis do conceito de "autonomia intermediária" próprio do automatismo informático: estabilidade do programa e multiplicidade das figuras e cenografias que desenvolve e interpreta.

Para Roy Ascott (1991), a arte interativa designa um amplo espectro de experiências inovadoras que se utilizam de diversos meios (sob a forma de performances e experiências individuais em um fluxo de dados (imagens, textos, sons), ainda com diversas estruturas, ambientes ou redes cibernéticas adaptáveis e inteligentes de alguma forma, de tal maneira que o espectador possa agir sobre o fluxo, modificar a estrutura, interagir com o ambiente, percorrer a rede, participando, assim, dos atos de transformação e criação.

Uma forma de caracterizar globalmente o fenômeno seria sublinhar que as principais tendências estéticas da arte tecnológica estão ligadas aos conceitos e práticas da interação, da simulação e da inteligência artificial.

Roy Ascott resume: "o que nós queremos desenvolver é uma vasta gama de atitudes, de sistemas, de estruturas e de estratégias interessando todo nosso aparelho sensorial e engajando o espírito e as emoções na criação de complexos ambientes multimídias de um rico potencial de significação e de experimentação".

Gillam Thomas sublinha que o importante é o enriquecimento que pressupõe a

interatividade entre sentidos.

Para Philippe Quéau o termo "alteração" ("tornar um outro") é mais adequado que "interação". Para este autor, o conceito de modelo deve substituir a noção de forma, visto que os criadores de modelos são demiurgos que criam universos simbólicos dotados de vida própria.

Isto parece coincidir com o conceito de Gilberto Prado (1997): "as regras dos projetos de ação artística em rede permitem e solicitam a atuação de parceiros. (…) o que existe são interações de sentidos, (…) o artista se torna um tipo de poeta da conexão, onde cada participante se torna um (co-) produtor. (…) trata-se de uma estrutura de participação coletiva em transformação, uma cibercollage. (…) Que o ‘desvio’ artístico ajude a trazer a liberdade da diferença e da escolha através do despertar/evidenciar aquilo que temos em comum e o que temos de diferente".

Para Pierre Lévy (1990) "Nós vivemos um desses raros momentos, onde, partindo de uma nova configuração técnica, quer dizer, de uma nova relação com o Cosmos, inventa-se um estilo de humanidade".

Stephen Wilson vê a arte interativa como um modo de "suscitar uma grande floração de coisas e de expressões individuais e de acesso à informação".

E Popper (1993) observa que "A interação é considerada um fenômeno internacional e transnacional, acarretando numerosas formas de engajamento cultural capazes de edificar redes de relações humanas desprovidas de discriminação. A interatividade suscitada pelo artista permite uma comunicação criadora fundada em atitudes construtivas, críticas e inovadoras. Autorizando novos tipos de interações sociais, a arte tecnológica pode igualmente se orgulhar de refletir as transformações que afetam nosso tecido social, com todas suas contradições".

Entretanto, para Popper, o termo "interatividade" como instrumento de criação artística, em um contexto estético, pode ser aplicado tanto às relações entre artista e obra como relativo à realização, ou mesmo à relação entre obra acabada e espectador, já que as intenções estéticas do artista são inseparáveis de uma consciência clara dos processos técnicos utilizados.

Já a relação entre interatividade, simulação e inteligência artificial tem sido examinada por Marie-Hélène Tramus em tese de doutorado (1990). Esta autora parte da hipótese que a interatividade pode ser considerada como uma simulação da interação (este último termo designando as relações entre indivíduo e realidade, interação tanto natural como artificial; no entanto, a interatividade está referida às relações com as realidades virtuais. Tramus entende, então, a interatividade como um processo para modificar a realidade. Ela transforma a realidade natural (tudo que existe fora das criações humanas) e a realidade artificial (tudo que resulta da ingeniosidade humana) em realidades virtuais nascidas de uma simulação. Em outros termos, a interatividade é uma simulação da interação e graças a ela o diálogo entre realidades diferentes se torna possível.

A interatividade será, assim, um intermediário essencial, não passivo, mas exercendo um papel transformador. Esta interface entre homem e máquina exercendo sua função única permite a conversibilidade de um a outro, como um código comum permite a sinergia, ou seja, a ação coordenada de vários órgãos; aqui, no caso, o homem e a máquina. A autora parece colocar a interatividade como um código com regras delimitadas que devem ser obedecidas pelos interagentes, em obediência à máquina e suas interfaces. Simulação e interatividade estão relacionadas. Simula-se para poder interagir.

Para Couchot, a simulação introduz uma nova ordem visual e perceptual que substitui a categoria da representação. Esta relação, tal como proposta, apresenta-se problemática, visto que, para outros autores, simulação continua a ser representação já que ela é necessariamente referencial, e, sobretudo, é pensamento. Contudo, Couchot parece utilizar o termo "representação" no sentido lato, pois "a idéia de representação envolve infinidade, uma vez que o que realmente faz a representação é o fato de ser interpretada em outra representação; é continuidade" (Peirce, 1974).

Por outro lado, Ted Nelson (1992), considerado o inventor do termo "hipertexto", conceitua o mesmo como conjunto de escritas associadas, não seqüenciais, com conexões possíveis de seguir e oportunidades de leitura em diferentes direções.

A hipermídia, pois, é uma forma combinatória e interativa da multimídia, onde o processo de leitura é designado pela metáfora de "navegação" dentro de um mar de textos polifônicos que se justapõem, tangenciam e dialogam entre eles. Abertura, complexidade, imprevisibilidade e multiplicidade são alguns dos aspectos relacionados à hipermídia. A partir do momento em que o usuário pode interagir com o texto de forma subjetiva, existe a possibilidade de formar sua própria teia de associações, atingindo a construção do pensamento interdisciplinar.

Para o precursor Vannevar Bush ("As we may Think", 1945), a idéia central é que a mente humana trabalha por associações. O hipertexto possibilita associações entre vários tópicos de informação de acordo com o ritmo natural do pensamento humano, ou seja, as leis da mente: associações por contigüidade e similaridade. A conectividade é a característica essencial do hipertexto que, através de blocos de textos e imagens interligados, estimula o encadeamento de idéias e contextos. Como observam Landow & Delany (1994), um pensamento complexo não pode ser expresso satisfatoriamente por meio de estruturas proposicionais fechadas e lineares.

Entretanto, para Landow (1992), os conceitos de "texto central" e "texto marginal" não combinam com a mobilidade dos sistemas hipertextuais. Pode-se dizer que no hipertexto só temos textos evanescentes, centralidade que se dissipa quando partimos para outros textos.

Francis Heylighen (1994) desenvolve o conceito de hipermídia "distribuída" como síntese de três fatores: o documento é marcado por referências cruzadas, os hotlinks; a informação do documento pode advir de qualquer mídia; e acrescenta a distributividade, já que esse documento pode estar em várias partes do mundo.

Roger Laufer e Domenico Scavetta (1995) observam que o hipertexto ajuda a detectar novas formas de representação do mundo, dos saberes em ambientes videográficos que permitem abandonar a linearidade das formas, de representação textual, em prol de um modo de escolha da informação mais dialógico, um modo não-linear.

J. L. Weissberg (1998) apresenta a interatividade como um conceito produtivo nas relações com a simulação da presença humana, que compreendem as dimensões da linguagem verbal e da corporal. Em segundo lugar, levando-se em conta o caráter educativo da interatividade, esta consiste em favorecer o "tornar-se autor", pois redistribui as noções de mensagem e recepção, que transformam as funções das posturas leitoras trocando-as por novas dimensões editoriais, renovando assim as separações fundadas sobre cultura do livro. Em terceiro lugar, o relato interativo - com a presença do leitor-ator (spect-acteur), lei(a)tor, que, junto com a programa na relação autor-leitor, tornar-se-á uma ficção que rompe com o relato realista.

Para Weissberg, a interatividade é criticada como uma ilusão de reciprocidade. Esta noção é percebida como incitação/valorização da "atividade" em detrimento da "passividade"; assim, a dimensão gestual da postura interativa aparece como sinônimo de domínio (técnico) que permite fundar a antinomia gestual/suspensão possível da significação. As obras interativas vêm confirmar, por diversas vias, que podem provocar (como também nas obras clássicas) "uma catástrofe de sentido’ (Marc Le Bot, 1986).

Por outro lado, a abertura limitada, móvel, mas também constrangedora, da "interatividade de comando" coloca o spect-acteur numa gaiola de ouro.

A interatividade aparece como uma nova condição da recepção para interpretá-la, como índice de um desejo coletivo de suavizar os limites impostos tanto do ponto de vista da concepção como da recepção.

Para além de simular as competências lingüísticas e comportamentais humanas, é necessário apreender a interatividade como categoria da comunicação, ou seja, um modo singular, de comércio entre subjetividades, obedecendo a constrangimentos particulares, onde sua "programaticidade" no sentido informático é certamente a principal condição. Todavia, a interatividade é considerada, ao mesmo tempo, como auto-comunicação (mensagem, história, relato endereçado a si mesmo), e como meta-comunicação: atualização dos programas concebidos por outros para se fabricar os próprios programas de escrita, espaços cenográficos, circulação de narrativas e de acesso aos bancos de dados.

Para além da ilusão, a possível simulação mimética do sujeito humano, o "outro", numa situação interativa, é sempre um horizonte, uma referência; não uma presença susceptível de ser duplicada e idêntica. É mais uma perspectiva complementária; a interatividade constrói, pois, seu spect-acteur como, de resto, qualquer outro meio.

O autor e seu leitor interativo

Para Landow (1992), a hipermídia representa o fim da era de autoria individual. O autor é reconfigurado, pois sofre uma erosão, devido à transferência de poder para o leitor, que tem, à disposição, uma série de opções de escolha em seu percurso. Essa dissolução dos papéis do autor e do leitor é caracterizada por Joyce (1995): "Os textos eletrônicos se apresentam por intermédio de suas dissoluções. Eles são lidos, onde são escritos e são escritos ao serem lidos".

Quéau (1993) observa: "novas formas de navegação mental serão necessárias para se reencontrar nos labirintos informacionais em constante regeneração". No hipertexto, o leitor é também um pouco escritor, pois, ao navegar pelo sistema, vai estabelecendo elos e delineando um tipo de leitura.

O principal problema da leitura, agora transferido para as questões da interatividade, é o da qualidade da resposta, qualidade da significação, ou seja, qualidade do interpretante. É aqui que reside o nó da questão, pois todo leitor escolhe e é escolhido. Neste sentido, o leitor interativo deve escolher as melhores opções que lhe convêm para se manifestar, como leitor criativo ou não. Conforme com Goethe quando diz que "há três classes de leitores: o primeiro, que goza sem julgamento, o terceiro julga sem gozar e o intermédio, que julga gozando ou goza julgando: é o que propriamente recria uma obra de arte".

É exatamente o que propõe Popper (1993): duas são as condições que devem acontecer para que se realize a integração do indivíduo, ou do grupo, no processo criativo: a "inventividade" e a "responsabilidade artística", ou seja, a capacidade e o desempenho no processo criativo. Neste sentido, o uso da interatividade no fenômeno artístico deverá ter em conta a distinção, entre a estrutura da obra de arte e o processo criativo que a engendrou (a poética), e ainda a relação entre espectador e obra de arte (estética).

Para Weissberg, conduzir a passagem para a escrita é uma das missões essenciais da educação. Tornar-se, portanto, autor-escritor, é "utopia democrática" atrelada à interatividade no contexto da hipermediação, que faz emergir novas práticas de expressão/recepção.

As noções de co-autor, ou de co-produtor, parecem, pois, muito imprecisas; referem-se não só à colaboração de vários autores, do mesmo estatuto, como em uma produção audiovisual, por exemplo. Entre escrita (produção de sentido) e leitura (apropriação de sentido) há diferenças, pois ler é reescrever para si o texto, e escrever é o encadeamento de leituras.

Entretanto, a navegação interativa não é, ainda, uma escrita, já que toda a leitura é uma reescrita interna do texto lido. Leitura e escrita, mesmo em suportes estáveis, não podem ser isoladas uma da outra, pois entre a apreensão do sentido e a criação, na escrita, interpõem-se a capacidade e a competência com a linguagem.

Pierre Lévy encontra grandes obras anônimas sem autor, já que esta figura emerge de uma ecologia das mídias e de uma configuração econômica, jurídica, ideológica e social bem particular. Não é, portanto, surpreendente que a relação autoral possa passar para um segundo plano quando o sistema de relações sociais e comunicacionais se transforma, desestabilizando o terreno cultural que viu crescer a importância do autor. A proeminência do autor não condiciona nem o alastramento da cultura nem a atividade artística. Para este autor, os mitos, ritos e formas culturais tradicionais são imemoriais, e a estes não se associam nenhuma assinatura, a não ser a de um autor mítico.

É Antonio Risério, no entanto, que problematiza a figura do autor. Partindo da distinção barthesiana entre "escritor" e "escrevente", Risério desorganiza o coro dos contentes e partidários da dissolução de autor. O Autor existe, diz ele. Sempre. Mesmo as criações coletivas são feitas por criadores individuais, conhecidos ou não. Trata-se, portanto, da "função-autor". O autor é aquele que se fecha no "como escrever", confundindo seu ser com o ser da palavra, perdendo "sua própria estrutura e a do mundo na estrutura da palavra" e se realizando na palavra; como esperar que ele venha a se reduzir ao "anonimato de um murmúrio"? Aquele que faz da linguagem uma praxis não tem poder para renunciar à sua marca, nem será abolido por simples anseios ou patrulhamentos ideológicos. Seria preciso emudecer (diz Risério), à maneira de Rimbaud. Quem se reduz ao "anonimato de um murmúrio" é, por definição, o "escrevente".

Em pleno cyberspace, todo mundo é autor, ninguém é autor, todos somos produtores-consumidores; ou seja, está indo solenemente por água abaixo a velha e renitente distinção entre quem faz e quem frui. Na chamada "textualidade interativa", o que é operativo é a poética da obra aberta em campo eletrônico digital. Para Risério, o que está em questão é todo o eixo autor-obra-receptor, não a dissolução do "autor". O autor providencia o espaço, a cartografia, mas cabe ao usuário traçar o seu percurso. Nada autoriza a dizer (parodiando Mc-Luhan) que, assim como Gutemberg nos transformou a todos em leitores e a fotocopiadora nos converteu em editores, o computador pessoal está fazendo com que todos sejamos autores.

Alterar textos, diagramá-los ou os rediagramar, realizar operações de corte e montagem, executar scripts, etc., não faz de ninguém um autor, no sentido genuíno da expressão. A chamada "dissolução do autor" só vai se consumar fora da esfera estética, ou seja, nos grandes sistemas hipertextuais, extra-estéticos, que atuam na chamada "função referencial" da linguagem e que produzem montanhas de mensagens semânticas. Acontece que este é o mundo dos "escreventes".

O que está em questão, entendemos, é uma "ideologia da leitura" já colocada em crise no Finnegans Wake de Joyce. Esta obra deve ser lida como se estivéssemos consultando o I Ching, pois a intertextualidade, se levada às últimas conseqüências, arrasta não só a desintegração do narrativo como também a do discurso. O significante abre brechas por onde se esvai o sentido monológico e uma unidade estética autoral. É o que se verifica em certos textos-limites das vanguardas do século XX, desde o Finnegans Wake até os cut-up de William Burroughs.

Para Couchot (1997), a obra não é mais o fruto apenas do artista, mas se produz no decorrer do diálogo, quase instantâneo, em tempo real. Num diálogo entre modalidades de linguagem visual, sonora, gestual, táctil, escrita, o leitor não está mais reduzido ao olhar, ele adquire a possibilidade de agir sobre a obra e de modificá-la, de "aumentar" e, logo, tornar-se co-autor, pois o significado da palavra autor (o primeiro sentido de augere) é acrescer, nos limites impostos pelo programa. Assim, o autor delega ao fruidor uma parte de sua autoridade, responsabilidade e capacidade para fazer crescer a obra.

A questão autoral é vista por Couchot (1997) da seguinte forma: num processo dialógico ou de troca interativa, o estatuto da obra, do autor e do espectador sofrem fortes alterações. Na metáfora geométrica ou no triângulo delimitado pela obra, o autor e o espectador vêem a sua geometria questionada, pois esse triângulo pode se tornar um círculo onde os três elementos não ocupam posições definidas e estanques, mas trocam constantemente estas posições, cruzam-se, opõem-se e se contaminam.

Pier Luigi Capucci (1997) observa que a obra de arte interativa transforma-se em evento ou processo, que possui um código gerativo facilmente compartilhável que repropõe uma "esteticidade difusa". A questão é política. A arte interativa é excêntrica, pouco segura e escapa ao controle social e à autoridade do sistema da arte, pois este tipo de obra não encerra uma "versão oficial", produto que é da recepção lúdica, em nível sensório-motor.

Couchot, ao levar em conta a metáfora baudelairiana "O público é, comparado ao gênio, um relógio que atrasa", diz que a nova economia simbólica reduz inexoravelmente o afastamento que separavam o público e o criador de seu papel antecipador. Assim, o artista e o público estão, de agora em diante, intimados a ler a hora no mesmo relógio de pêndulo", homogeneizados pelo denominador comum. Todavia, o estatuto da obra, do autor e do espectador sofre fortes alterações, trocando e invertendo constantemente tais posições, cruzam-se, confundem-se e se contaminam.

Os problemas gerados pelo diálogo interativo e as relações entre autor-leitor não são novos, pois o tema da "dissolução dos autores" tem um nome: intertextualidade; "tudo circula".

Eis, pois, a partir de agora, a inadequação dos próprios termos, o que obriga a repensá-los juntamente com suas relações contíguas e oscilantes. Trata-se de uma luta entre singularidades: a do autor e a do receptor. Há que se considerar também a "congenialidade" entre leitor e autor.

Contudo, há também opções: "Sempre me coloquei contra esta idéia de participação do espectador na obra de arte. À época neoconcreta, o conceito de participação era o de dar possibilidade ao espectador de intervir na obra, recriando-a. Acho que esta participação, por si só, não qualifica nenhuma obra" (Amilcar de Castro –1983). E Arnaldo Jabor (2.000): "A interatividade é uma falsificação da liberdade, já que transgride meu direito de nada querer. Eu não quero nada. Não quero comprar nada, não quero saber nada…".

Parafraseando Arnheim (1980), a criação da arte não pode ser eficaz se não se tem uma idéia correta de para que serve a arte e sobre o que versa. Para responder a esta questão, devemos levar em conta que as várias "esferas" (Srour 1978) que se articulam na dimensão cultural ou "universo simbólico estruturado" são a matéria-prima das práticas culturais, são abstrações e não o próprio real na sua concretude. Desta forma, a "esfera ideológica" como campo nuclear da cultura (sistemas de representações, valores e crenças), a "esfera cognitiva" (como sistema de conhecimentos científicos), a "esfera artística" (como forma multifacetal e contraditória de apropriação "sensível" do real) e a "esfera técnica" (modos de proceder das várias práticas) interagem e se recobrem. Sob este aspecto, a "esfera artística" multifacética apropria-se e interage, contraditória e não antagonicamente, com o resto das "esferas".

É o que se apresenta como problemática da interatividade artística e transcultural, como abertura de terceiro grau.
Autor (a) : Julio Plaza
Fonte : http://www.iconica.com.br/arteacaso/artigos/julio_plaza.html

http://artistasvisuais.com.br/reportagemnoticia.asp?id=232
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